Último trabajo de poses de modelos

Este es la última pintura de poses de modelos de este curso que hemos realizado. 

 Como los anteriores trabajos, está realizado con acrílico sobre cartón piedra de 100x70.

RONQUIDO: bibliografía del proyecto

En esta entrada del blog coloco un listado alfabetizado de los libros consultados a la hora de realizar el proyecto:

-         AUB, Max. Mucha muerte. Ed. Cuadernos del Vigía. Granada, 2011.

-         GARCÍA, Santiago. La novela Gráfica. Ed. Astiberri. Bilbao, 2010.

-         MC CLOUD, Scout. Entender el cómic: el arte invisible. Ed. Astiberri. Bilbao, 2005.

-         MILLIDGE, Gary Spencer. Diseño de cómic y novela gráfica. Ed. Parramón. Barcelona, 2010.

-         MIZIELISKA, Alexandra. ¿Qué será de tí? Ed. Libros del Zorro Rojo. Barcelona, 2011.

-         NARA, Yoshitomo. Yoshitomo Nara + Graf . Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. Málaga, 2007.

-         NICOLÁS, Yaiza. Atlas de la ilustración contemporánea. Ed. Maomao. Barcelona, 2009.

-         SABIN, Roger. Comics, comix & graphic novels: [a history of comic art]. Ed.  Phaidon. Londres, 1996.

-         SHRIGLEY, David. Pero, ¿qué coño estás haciendo? Ed. Blackie Books. Barcelona, 2011.

-         VICTIONARY. Estamos hablando de ilustración. Ed. Index Book. Barcelona, 2007.

-         YOKOYAMA, Yuichi. Viaje. Ed. Apa Apa. Barcelon, 2010.

 

Y con esto se acaba la memoria escrita y el proyecto RONQUIDO.

RONQUIDO: conclusión del proyecto

RONQUIDO es el nombre que yo le he dado a uno de los relatos del libro Crímenes ejemplares de Max Aub. El título del relato se adapta al mismo ya que se nos cuenta cómo se las ingenia el narrador protagonista para deshacerse de su vecino que ronca mucho y le molesta.

Un aspecto que me parece muy interesante es el hecho de que el narrador justifica sus actos mediante razones absurdas y sin sentido lógico alguno. Sin embargo, creo que eso es lo que le da ese carácter humorístico a los relatos. Por esta razón fue muy fácil para mí dibujar y diseñar los personajes y las escenas en cada relato.

Cuando tuve que hacer un cómic como trabajo para una asignatura en el instituto basado en uno de los relatos de este libro de Max Aub, me hizo muy feliz. En realidad no era necesario hacer un cómic para el trabajo, pero el profesor me lo propuso a mí ya que sabía que se me daba bien dibujar (a pesar de no estar en el bachillerato de artes) y a él le gustaban mis dibujos.

Así, este año, decidí ilustrar de nuevo el mismo relato de entonces para conmemorar aquellos tiempos que me traen tan buenos recuerdos. Pero esta vez pensé en ilustrarlo como un cuaderno, en vez de hacerlo un cómic, con ilustraciones a color en cada página.

Además de los recuerdos que este libro me traen, sigo trabajando con él pues me parecen muy interesantes los relatos sádicos y grotescos del libro y las justificaciones absurdas con las que el narrador se defiende. A veces pienso que es algo que todos tenemos alguna vez, pensamientos que llegan a ser sádicos sobre las cosas que nos molestan en nuestra vida diaria. Sin embargo, en este libro esos pensamientos van más allá, van a la realidad y dejan de ser meros pensamientos convirtiéndose en hechos reales llegando a matar o a suicidarse.

RONQUIDO: contextualización estética

 RONQUIDO cuenta con varios aspectos estéticos a destacar, los cuales se van adaptando según la página y según la frase correspondiente, de la narración del relato, a esa página.

En cuanto al diseño de las cubiertas y la publicación se refiere, como nos dice Gary Spencer en su libro Diseño de cómic y novela gráfica [1], actualmente se cuida más el diseño de los comics books y las novelas gráficas que antaño ofreciendo así una calidad mayor a una forma artística que se solía subestimar. Por eso, RONQUIDO cuenta con una portada y contraportada, y con páginas iniciales y páginas vueltas en blanco en la encuadernación. Para embellecer más el libro ilustrado, le he colocado unas páginas extras entre las portadas y lo que es el contenido del libro como tal. Unas páginas introductorias al principio con el título de la obra y firmadas por mí, y lo mismo al final del libro. Según Spencer, en estas páginas se suele incluir simplemente el nombre de la obra y del autor de la misma. Son páginas introductorias, son créditos. Spencer también afirma que un diseño de cabecera debe de ser gráficamente sorprendente y característico para que llame la atención al lector y le sea fácil localizarlo. En mi libro ilustrado tengo en cuenta este aspecto. Ya desde un principio tenía claro el diseño para mi portada, con un título enorme y llamativo que resaltase. En las cubiertas de mi cómic visualmente ya se intuye más o menos el argumento (sin reflejar el final del libro) y el estilo estético del cómic:

                                                          Contraportada y portada de RONQUIDO

Esto ya nos lo decía Spencer, ya que “un diseño de cubierta debe reflejar el contenido del libro y ha de ser diseñado con el objetivo de atraer la atención del público. […] Es importante que una cubierta tenga un diseño potente y claro que pueda leerse en la distancia” [2].

Otra característica de la cubierta de RONQUIDO es un pequeño cuadro con una hipnosis corta en la que podemos saber de qué va a ir el cómic, además de una pequeña reseña del ya citado libro de Max Aub.

En cuanto a las ilustraciones de la trama narrativa, una vez escaneados los dibujos iniciales y reforzados los negros y blancos, empecé a dar color con degradados para las luces y las sombras con el programa informático photoshop. Un ejemplo es la página 15 de mi cómic, la cual utilizaremos como referencia visual para seguir el proceso estético aplicado en la creación de dichas ilustraciones:

 RONQUIDO página 15 en blanco y negro

El hecho de aplicar color al cómic mediante la informática creo que es otra herramienta artística que se puede tener en cuenta. Los resultados finales son maravillosos bajo mi punto de vista, tanto como una ilustración pintada con acuarela, por ejemplo. El siguiente referente visual que muestro a continuación es un avance de la imagen anterior, en la cual se le ha aplicado ya el color:

RONQUIDO página 15 en color

En su libro, ya citado anteriormente, Spencer argumenta eso mismo:

Los creadores de cómics modernos y experimentales pueden expresarse mediante todo tipo de medios para crear sus ilustraciones, como pinturas al agua o al óleo, lápices y pasteles de colores, colage, fotografía e incluso escultura. Las técnicas fotográficas de gran calidad y los escáneres modernos pueden conseguir reproducciones excelentes de prácticamente cualquier medio en el que el dibujante decida trabajar. Hoy en día, los profesionales habilidosos pueden crear, con programas informáticos […] imitaciones convincentes de técnicas pictóricas tradicionales. Estos programas ofrecen muchos pinceles digitales distintos, con los que cabe conseguir aproximaciones bastante precisas a los estilos del mundo real. Si se emplean junto con tabletas digitalizadotas sensibles a la presión, pueden crearse pinturas de asombrosa autenticidad. [3]

            El último paso realizado en las ilustraciones fue el acople de los textos narrativos y las onomatopeya. La estética de la rotulación siempre suele adecuarse al máximo al estilo del dibujo formando un ente único, tanto imagen como texto. Por tanto, para los textos narrativos he utilizado una fuente de carácter cómico. Para las onomatopeyas he utilizado otro tipo de fuente distinto al usado en la narración, con una apariencia más tenebrosa acorde a la estética general de las ilustraciones. En el cómic que realicé anteriormente de RONQUIDO incluí una serie de efectos sonoros ya que son otro elemento representativo de los cómics. El relato de Max Aub, al ser un texto literario, no ofrecía este elemento. Pero al llevarlo al cómic es importante, por tanto fui adjudicando onomatopeyas según veía que se adaptaba a la trama narrativa. La onomatopeya más representativa de mi cómic es la del ronquido. En este caso, ese efecto sonoro fue una invención mía, ya que las demás utilizadas suelen aparecer en los cómics habitualmente. Respecto a este asunto, Gary Spencer comenta en su libro:

         El uso de efectos sonoros varía de un creador a otro. En ocasiones, el propio guionista es quien sugiere el efecto sonoro, a veces un “boom” literal y otras un equivalente onomatopéyico, pero suele ser responsabilidad del dibujante o del rotulista decidir dónde colocarlos, el tamaño, la fuente y el resto de las cuestiones de diseño. A menudo, la elección de la fuente viene dada por el mismo efecto sonoro: húmedo y lluvioso, irregular y explosivo, suave y liviano [4].

            En mi caso, los efectos sonoros utilizados vienen dados por ese abundante ambiente temeroso, pesimista y oscuro.

Otro aspecto que tuve en cuenta fue el hecho de que los textos se vayan adaptando y siguiendo la dirección de la imagen. Un ejemplo de esto es cuando el texto se adapta según el dibujo del aire se mueve, como podemos ver en la página 15 de RONQUIDO:

RONQUIDO página 15 con la fuente aplicada

            En esta página acabada podemos observar todos estos aspectos analizados que hacen que el lector se sienta agobiado y saturado, al igual que nuestro personaje se siente. Esa era la idea que tenía en mente a la hora de cargar las páginas con el amplio tamaño de la fuente de texto.

Para transmitir al lector el mismo agobio y desesperación que el narrador protagonista del relato siente. Además el color azul de las páginas nos remite a la sensación de penumbra y tenebrismo acompañando al instinto asesino del narrador. Razón por la cual también decidí colocar los textos y las onomatopeyas de las páginas con un tamaño de fuente grande. En el cómic inicial que hice ya lo insinuaba un poco, pero en este libro ilustrado se exagera más, aprovechando el formato de la página.  En la siguiente imagen vemos un ejemplo de una de las páginas acabadas del cómic, con la letra grande y agobiante:

RONQUIDO página 14

Para llegar a este resultado final he estado investigando y leyendo varios libros ilustrados con estilos estéticos parecidos a la idea que tenía planteada para realizar mi obra. 

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[1] MILLIDGE, Gary Spencer. Diseño de cómic y novela gráfica. Ed. Parramón. Barcelona, 2010. Pg. 142 y 148.

[2] Ibid. Pg. 134.

[3] Ibid. Pg. 126.

[4] Ibid. Pg. 100 y 106.

 

RONQUIDO: páginas terminadas

            ¡Y por fin acabé! En esta entrada expongo las páginas definitivas y acabadas de mi cómic RONQUIDO.

                                                                                                    RONQUIDO portada

                                                                                                                                   RONQUIDO página 01

                                                                                                  RONQUIDO página 02

                                                                                                                                  RONQUIDO página 03

                                                                                                                                  RONQUIDO página 04

                                                                                                                                  RONQUIDO página 05

                                                                                                                                  RONQUIDO página 06

                                                                                                                                   RONQUIDO página 07

                                                                                                                                   RONQUIDO página 08

                                                                                                                                   RONQUIDO página 09

                                                                                                                                  RONQUIDO página 10

                                                                                                                                  RONQUIDO página 11

                                                                                                                                   RONQUIDO página 12

                                                                                                                                   RONQUIDO página 13

                                                                                                                                   RONQUIDO página 14

                                                                                                                                   RONQUIDO página 15

                                                                                                                                   RONQUIDO página 16

                                                                                                                                   RONQUIDO página 17

                                                                                                                                   RONQUIDO página 18

                                                                                                                                   RONQUIDO página 19

                                                                                                                                   RONQUIDO página 20

                                                                                                                                   RONQUIDO página 21

                                                                                                                             RONQUIDO contraportada

            Y aquí finaliza Ronquido, con su protagonista que por fin podrá dormir tranquilo y en silencio. Una vez aplicado el blanco y negro a las páginas, le añadí el azul, el texto narrativo y las onomatopeyas. En las entradas posteriores profundizaremos un poco más en los aspectos estéticos de la obra.

Markus Lüpertz

En la clase de metodología de hoy hemos visto un vídeo sobre Markus Lüpertz, pintor, escultor y escritor alemán, nacido en 1941, vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.

Lüpertz, vinculado al grupo Neue Wilden (Nuevos Salvajes), es uno de los miembros del neoexpresionismo alemán más rebeldes e individualistas. Sus obras son fuertemente expresivas, hecho que enfatizan la grandiosidad de sus formatos y el colorido fascinante que impregna sus cuadros. Temáticamente, suele partir de temas figurativos para derivarlos hacia la abstracción, recogiendo diversas influencias del arte del pasado; en especial, se suele inspirar en el paisaje y el cuerpo humano, que reinterpreta de una forma personal y espontánea. El artista se vale de una amplia variedad de géneros, materiales y técnicas para configurar la naturaleza en función de su propia realidad.

En el vídeo nos introducimos en su lugar de trabajo y nos habla sobre el procedimiento de su obra.

El vídeo se divide en dos partes importantes. Una es el momento en el que nos muestra su lugar de trabajo y el proceso de sus obras. La otra se trata de una breve explicación que nos hace el artista sobre el procedimiento a la hora de crear formas y distribuirlas en sus cuadros.

Las puertas del estudio de este artista se abren para el entrevistador, que según este ambos son conocidos y por eso les dejan pasar con cámaras. Durante tres días, Lüpertz nos muestra el proceso de trabajo que aplica en un lienzo, aunque a la vez ha ido pintando cuatro más. Durante el primer día, realiza unas pinceladas amplias y sueltas sobre el lienzo a modo de encaje de la obra. Llega incluso a acabarla, podría decirse. Pero el segundo día vuelve a pintar sobre lo del anterior día, ocultándolo y realizando una nueva obra encima, teniendo en cuenta algunos aspectos del encaje inicial. Además de brochas grandes y pinceladas rápidas y amplias, utiliza espátulas para rasgar la pintura y dar luces al cuadro. Sin embargo, el tercer día vuelve de nuevo a manchar lo anterior. En principio se trata de una capa transparente que deja ver el trabajo anterior con una tonalidad diferente, pero después de aplicar esta capa coloca otra ocultando así el trabajo del día anterior hasta dar forma al cuadro y finalizarlo.

Lüpertz, como respuesta a las preguntas realizadas por el entrevistador del vídeo, nos cuenta que a él no le gusta ver la tela del lienzo sin más, sin pintar. Por eso lo pinta todo, pinta toda la superficie. Además, se plantea el problema que le proporciona el secado de la pintura. Lo que hace es pintar muy rápido permitiendo así que no se seque la obra durante el proceso. Razón por la cual en esta obra que nos muestra en el vídeo vuelve a pintar una y otra vez encima durante esos tres días. También justifica este hecho que el artista pinte cinco lienzos casi al mismo tiempo.

Este vídeo es interesante ya que podemos ver el entorno en el que el pintor se mueve durante su trabajo: cómo es su estudio (por lo que vemos lleno de lienzos, cubos y demás utensilios revueltos por todos sitios) y cómo se desenvuelve en él.

En la segunda parte del vídeo, Lüpertz nos explica el procedimiento que lleva a cabo en sus obras a la hora de encajar y crear forma a los distintos elementos de sus obras. Lüpertz nos pone dos ejemplos, los cuales nos va explicando dibujando con carboncillo en un papel continuo alargado pegado en una pared.

En el primer ejemplo nos dice cómo de una simple lata de fanta, al estrujarla, se le ocurre la idea de una manzana, en concreto los restos de una manzana después de comerla. A partir de ahí nos saca una forma abstracta que envuelve la manzana, le aplica sombras a los distintos elementos incorporando incluso un paisaje con montañas por detrás. A la forma abstracta le añade estrellas, una luna y un sol y nos lo denomina como la representación del universo. Pero, de nuevo, a partir de esto vuelve a la manzana inicial. Es como si el propio cuadro estuviese vivo y de una cosa sale otra, y así constantemente. De algo tan simple como una lata Lüpertz puede sacarnos una diversidad de elementos y formas para sus obras.

En el segundo ejemplo, en ese papel continuo Lüpertz nos dibuja unos árboles con raíces, siendo ésta la idea inicial. A continuación, corta las raíces de los árboles y dibuja en la parte superior de los mismos una serie de formas hasta dar con un elefante, una forma similar a un elefante.

Con todo esto podemos ver que desde un simple objeto o cualquier forma que tengamos se pueden llegar a sacar gran variedad de ideas que pueden concluir nuestro cuadro, pero que a partir de eso se puede seguir sacando más ideas. Es por eso que Lüpertz pinta sus lienzos reconstruyendo lo realizado anteriormente, dando lugar a nuevas formas tomando como referencia las iniciales.

Jeff Koons

Jeff Koons es un artista estadounidense nacido en el 1955, del cual destaca su obra por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad. Koons fue quizás el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen. Dada la naturaleza de su arte, Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes.

Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual. Hasta hoy, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía. 

Koons aparece como artista en la década de los 80, en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp. La idea es la principal característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la influencia de la mayoría de la población por las masas y la publicidad. Sorprendentemente a través de la publicidad, se hace un importante hueco para tratar sobre los sueños de la clase media y la búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida. Para él la clase media siempre pensó en lo efímero y se bastó de lo más simple para su convención.

La obra es de gran importancia dentro de la historia del arte ya hoy día, ya que su propósito y la idea son coherentes en todos sus sentidos. Además el tema que siempre trabajó fue de lo más apropiado para la época. La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Aunque muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch. Con obras como Banalityy la recientemente encontrada Pantera Rosa, Jeff Koons lo tiene todo para ser una estrella en el mercado del arte, con piezas tan kitsch como él.

Gregor Schneider

Gregor Schneider, nacido en el 1969, es un artista alemán cuya principal área de trabajo se construye habitaciones. En 2001, fue galardonado con el León de Oro en la Bienal de Venecia por su infame trabajo Totes Haus ur expuesta en el Pabellón de Alemania.

A continuación veremos brevemente su trayectoria en este ámbito artístico, mostrando algunas de sus creaciones más célebres:

         El "Haus ur"

El Haus ur en el Straße Unterheydener en Mönchengladbach-Rheydt.

Desde 1985, Schneider ha estado trabajando minuciosamente en la casa de la Unterheydener Straße en Mönchengladbach-Rheydt. El "ur" se refiere a Unterheydener Straße und Rheydt.  Schneider creó  réplicas de las habitaciones existentes mediante la construcción de habitaciones completas dentro de otras habitaciones, las cuales no son visibles como habitaciones dentro de habitaciones para los espectadores. Además éstas se mueven lentamente mediante el empleo de máquinas que impulsan a los techos o habitaciones completas.  Como resultado de la forma de las instalaciones nos encontramos con huecos e ínter espacios. Algunas de las habitaciones se vuelven inaccesibles, ya que se ocultan detrás de las paredes y algunas de ellas han sido aisladas. A través de lámparas se simulan diferentes momentos del día. Desde mediados de la década de 1980 los visitantes de la Haus ur confesaron haber tenido una experiencia de terror dentro de la casa.

"Totes Haus ur" en Venecia

En 2001, Schneider ganó el "León de Oro" en la Bienal 49 en Venecia, con su exposición individual, "Totes Haus ur Venedig 2001". En ese momento, el director de la Kunstverein Kölnischen invitó al artista para crear una exposición individual en el pabellón alemán. En el plazo de tres meses Schneider construyó el Totes Haus ur dentro del pabellón. Para ello se transportó por barco, de Rheydt a Venecia, un total de 24 habitaciones originales utilizando cien paquetes de piezas de unas 150 toneladas.
Schneider reconstruyó las habitaciones en el interior del pabellón alemán en una casa similar con doble pared y doble fondo en el suelo en una casa tal como lo hizo en Rheydt; con una entrada de finales del siglo XIX con columnas, como puerta de entrada estándar. Dentro de las ventanas no se puede abrir hacia el exterior. "Uno construye lo que uno ya no sabe", Schneider comentó sobre su instalación. Dentro de la Bienal de la obra también ha sido interpretado como una declaración política sutil, ya que el pabellón alemán de la construcción a partir de 1909 ha sido a menudo considerado como el más "intimidante" edificio "en la zona de los Giardini".
En 2003, el Tote Haus ur estuvo expuesto durante todo el año en el interior del Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles Art (MOCA).

El cubo

Gregor Schneider fue invitado oficialmente para realizar el CUBO DE VENECIA 2005 en la Plaza de San Marco de Venecia durante la Bienal de 2005. Poco antes de la inauguración de la exposición de la escultura, ésta fue rechazada debido a su "naturaleza política". El CUBO DE VENECIA 2005 fue pensado para ser una escultura en forma independiente, la función y la apariencia, inspirada en la Kaaba en La Meca, el lugar más sagrado del Islam, el destino de millones de creyentes que hacen la peregrinación cada año. Kaaba significa "edificio cúbico". Esta obra se convirtió en una controversia internacional ampliamente discutida en los medios de comunicación.

El CUBO de Hamburgo 2007 ha sido utilizado como una plataforma de inter-religioso. Ahmet Yazici, el vicepresidente de la alianza de las comunidades islámicas en el Norte y Alemania, felicitó al artista "en su proyecto que fomenta el entendimiento entre las culturas internacionales".
Según Schneider la idea inicial del cubo no era suya, sino de un creyente musulmán quién lo relacionó con la Kaaba, edificio que ara él es de los más fascinantes y hermosos de la historia de la humanidad. Pretendía con dicho cubo llamar la atención del público, desafiando incluso a los musulmanes.

El Fin

Desde el 8 de noviembre de 2008 hasta el 6 de septiembre de 2009, la escultura El Fin, de 14 metros de altura de interior negro era accesible al público. El artista la construye en frente del museo Abteiberg en Mönchengladbach. La escultura fue conectada con el museo y sirve como una entrada alternativa. Antes de caminar a través del ella, el visitante tenía que firmar un formulario que decía que ellos entendían que estaban entrando por su propia voluntad en un ambiente con "escaleras estrechas y empinadas, y/o salas totalmente oscuras que pueden provocar lesiones físicas y/o mentales". Después de firmar dicha declaración, a los espectadores se les permite entrar en la sala-conjunto "FIN" por una escalera a través de una gran entrada de negro. En la mayor parte de la sala, la total oscuridad causa al espectador la pérdida de todo su sentido de la orientación en el espacio. La única posibilidad que se tenía para orientarse era el hecho de sentir las paredes del pasillo.

RONQUIDO: aportaciones visuales

En esta entrada, expongo algunas de los ejemplos visuales que estoy teniendo presentes a la hora de elaborar mi obra, partiendo de mi idea inicial de mantener una gama cromática limitada. “Las gamas monocromáticas sirven para indicar efectos de iluminación fuertes. Se tiende a utilizar el azul para la oscuridad y la noche. […]”, palabras textuales de Spencer en Diseño de cómic y novela gráfica [1]. Además de la oscuridad de la noche, en mi libro decidí usar el color azul para hacer referencia a la sutil tenebrosidad constante en la trama de la historia.

En el cómic inicial que realicé, utilicé un tramado dibujado a mano para dar color a las viñetas. Como referencias visuales bibliográficas muestro a continuación una serie de imágenes. En esta primera, Palestina de Joe Sacco [2], se ha aplicado color también a la imagen a través del uso de la línea:

                                                                        Palestina de Joe Sacco

            En la siguiente referencia visual podemos ver cómo se ha aplicado el color mediante el uso del azul, el blanco y el negro. Esta era una de las ideas que tenía para realizar mi cómic a la hora de dar color a las ilustraciones y resaltar el claroscuro y las luces. La imagen se titula Ghost World, obra de Daniel Clowes [3]: 

                                                                                      Ghost World de Daniel Clowes

 

A diferencia de esta imagen, en mi obra no utilizo los bocadillos de texto como medio para narrar la historia. Solo se los aplico puntualmente.

En la siguiente imagen, Fun Home de Alison Bechdel [4], se ha utilizado también el color azul para dar color a la imagen. El texto narrativo está fuera de los bocadillos, al igual que en mi obra. Este estilo de narración por viñetas se asemeja más al cómic inicial de Ronquido que realicé años atrás.

                                                    Fun Home de Alison Bechdel

En la siguiente imagen, página de la obra Viaje de Yuichi Yokohama [5] podemos observar otra manera de representar visualmente la narración, a pesar de la ausencia de texto. Este es un ejemplo que representa cómo con poca narración o ninguna como en este caso, es posible seguir una historia. Como dice el dicho: “Una imagen vale más que mil palabras”. Max Aub aplica en cierto modo esta idea en su libro Mucha muerte [6], ya que literariamente narra sus relatos con frases cortas y concretas, las cuales son suficientes para que el lector pueda modelar la trama de la historia.

                                                                      Viaje de Yuichi Yokohama

Sin embargo, en todos estos ejemplos se ha utilizado la viñeta como medio para distribuir visualmente la trama de la historia. Están más cerca estéticamente al trabajo que realicé con el cómic inicial de RONQUIDO. 

Para este proyecto, decidí evolucionar ese trabajo de RONQUIDO llevándolo a la ilustración, como bien ya he mencionado anteriormente. Así pues busqué también libros ilustrados para tomar como referencia. Como la historia de este relato de Max Aub es sádica, grotesca e incluso cruel, y cargada de ironía, me centré en los libros ilustrados que tratasen con esos temas. A continuación muestro algunas de estas imágenes resultado de esta búsqueda.

La siguiente imagen [7], contiene esa ironía de la que hablaba y el uso de la letra grande, ya que casi ocupa todas las páginas. Aunque estéticamente se aleja un poco de mi propuesta, la muestro ya que es una de las referencias que tuve en cuenta a la hora de adaptar la ironía del texto de Max Aub a dibujos cómicos y humorísticos como el de esta imagen. Se trata de un juego entre imagen y texto, que además vemos que en las letras continúa, pues los colores utilizados en la imagen son los mismos que en el texto. En mi cómic hago algo parecido. Las letras están en negro y blanco, como el claroscuro abundante en las ilustraciones:

                                        MIZIELISKA, Alexandra. ¿Qué será de tí?

            Por último, muestro a continuación, en la siguiente página de esta memoria escrita, una imagen en la que a través del uso del grafismo grotesco, y la utilización de pocos colores, se lleva la ilustración a una estética más sádica y sangrienta.

 

                                          SHRIGLEY, David. Pero, ¿qué coño estás haciendo?

 

            En mi libro RONQUIDO no llega a haber escenas así de sangrientas. Más bien se intuyen, se deja que el lector se la imagine. Como es el caso de la página 20 de mi libro, en la que el narrador aparece disparando a su vecino, pero no se llega a ver nada. Aún así, he tomado ilustraciones como referencia para poder plasmar tensión y algo de bestialidad en escenas como la mencionada.

            En la anterior ilustración [8] se ha jugado también con pocos colores: blanco, negro y rojo. Al ser más salvaje, el tercer color es el rojo. En mi libro utilizo el azul que lo asocio más con la oscuridad y tenebrismo de la mente del protagonista de RONQUIDO.

Es por eso que digo que en mi obra también se insinúa este dramatismo un poco, pero no tan drástico. Las ilustraciones de mi libro ilustrado no son tan sádicas, solo un poco, suavizadas con aspectos cómicos y humorísticos sin llegar a representar escenas sangrientas, a pesar de que el protagonista ejecute una.

Podría haber representado en la última ilustración al protagonista disparando al vecino con una imagen sanguinaria, pero me pareció más sugerente el hecho de que se viese solo al protagonista con el arma y no a la víctima. Así el lector se imaginaría lo que sucedería después, siguiendo el mismo patrón que Max Aub planteaba con sus relatos.

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[1] MILLIDGE, Gary Spencer. Diseño de cómic y novela gráfica. Ed. Parramón. Barcelona, 2010. Pg. 122.

[2] GARCÍA, Santiago. La novela Gráfica. Ed. Astiberri. Bilbao, 2010. Pg. 243.

[3] GARCÍA, Santiago. La novela Gráfica. Ed. Astiberri. Bilbao, 2010. Pg. 185.

[4] GARCÍA, Santiago. La novela Gráfica. Ed. Astiberri. Bilbao, 2010. Pg. 239.

[5] YOKOYAMA, Yuichi. Viaje. Ed. Apa Apa. Barcelon, 2010. Pg. 44-45.

[6] AUB, Max. Mucha muerte. Ed. Cuadernos del Vigía. Granada, 2011.

[7] MIZIELISKA, Alexandra. ¿Qué será de tí? Ed. Libros del Zorro Rojo. Barcelona, 2011. Pg. 19-20.

[8] SHRIGLEY, David. Pero, ¿qué coño estás haciendo? Ed. Blackie Books. Barcelona, 2011.